Parangolé - Tela y pintura - 150 x 110 x 20 - Proyecto Helio Oiticica - Rio de Janeiro - 1964.
En noviembre de 1964 Oiticica escribía: "El descubrimiento de lo que doy en llamar parangolé (que denomina una situación de sorpresiva confusión o exhitación en un grupo), marca un punto decisivo y determina una posición en el desarrollo teórico de toda mi experiencia referida a la construcción del color en el espacio, especialmente en relación a una nueva definición de lo que dentro de esa experiencia sería el objeto plástico o mejor dicho la obra". El fenómeno del parangolé puede verse emparentado con el Body Art, el Happening o la Performance. Los ejemplos más conocidos son las capas - parangolé que vestían los amigos del artista utilizando una variedad de otros elementos como banderas o carpas. Interacción, movimiento y la modificación del sentido de realidad conforman el núcleo central de un parangolé.
(Universes in Universe - De: Edward J. Sullivan, Lateinamerikanische Künstler des 20. Jahrhunderts. En: Lateinamerikanische Kunst im 20. Jahrhundert, catálogo de la exposicion del mismo nombre en Colonia. Prestel-Verlag, Munich 1993)
Metaesquema - guache sobre papel cartón - 1958 - 55 x 64 cm.
Nacido en 1937 fallecido en 1980 en Rio de Janeiro.
Hijo del entomólogo, fotógrafo y pintor José Oiticica Filho y nieto del intelectual y anarquista José Oiticica. 1954 estudios en la Escola do Museu do Arte Moderna en Rio de Janeiro con Ivan Serpa, en donde también da cursos para niños. Lee a Kant, Heidegger y Nietzsche. Se siente atraído por el constructivismo y se suma al "Grupo Frente", y en 1959 al "Grupo Neoconcreto". 1957 y 1959 participación en la Bienal de São Paulo. 1969 exposición individual en la Whitechapel Gallery en Londres.
Los trabajos de la primer etapa como los Metaesquemas de 1957- 58 están en la tradición del movimiento concreto; pueden ser vistos como una reflexión radical sobre los componentes de la pintura (color y espacio) y la disolución de sus tensiones. Series como Relieve Espacial y Núcleo con superficies en diferentes ángulos que integran el espacio como un aspecto de la obra, marcan en 1959 el paso a obras tridimensionales.
En una importante serie de mediados
de los años 60 llamada Bólides Oiticica utiliza frascos de
vidrio o cajas llenos de pigmentos con el propósito de "darle
al color una estructura original...". En el mismo período crea
los Parangolés (situaciones de exhitación), cuyos participantes
llevan capas, banderas y otros elementos especialmente diseñados.
De esta época datan sus participaciones de los carnevales de Rio
y en los festivales de Samba.
En 1967 exhibe en Rio de Janeiro su "Tropicália" un environment laberíntico con papagayos plantas y arena, con textos y un televisor, como sátira de los clichés de la cultura brasileña y un comentario referido al conflicto entre tradición y tecnología típico del Tercer Mundo. También en obras posteriores valora la participación del espectador motivándolo a reflexionar sobre las condiciones culturales sociales y económicas del Brasil. Objetivo principal del "Projeto Hélio Oiticica" fundado al poco tiempo de su muerte, es preservar y dar a conocer su obra.
Retrospectivas: 1986 Paço Imperial, Rio de Janeiro; 1987 Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo; 1992 Witte de With Art Center, Rotterdam; 1992 Musée du Jeu de Paume, Paris.
Exposiciones colectivas: 1970 "Information", The Museum of Modern Art, New York; 1987 "Brazil Projects", Institute for Contemporary Art, P.S. I Museum, Long Island City, New York; 1988 "The Latin American Spirit: Art and Artists in the United States, 1920 - 1970", The Bronx Museum of the Arts, New York; 1989 "Art in Latin America: The Modern Era: 1820-1980, Hayward Gallery, London; 1991 "Experiância Neoconcreta, Rio de Janeiro 59/60", Museu de Arte Moderna, Rio de Janeiro.
(Universes in Universe - De: Lateinamerikanische Kunst im 20. Jahrhundert, catálogo de la exposición del mismo nombre, Colonia. Editorial Prestel, Munich 1993)
Oiticica dividía sus obras
en diferentes categorías, bólide, penetravel y parangolé.
Guy Brett, que es el que más ha contribuído a la comprensión
de la obra de este artista, escribió, refiriéndose a ellas,
que están interconectadas a través de la definición
de la palabra "bólide" que en portugués significa:
bola de fuego, núcleo atómico, meteoro incandescente. Estos
conceptos son para él de extraordinaria importancia a la hora de
ordenar el caos de la realidad, no en el sentido de relaciones formales,
sino como centros de energía, a los que el cuerpo y el espíritu
se sienten atraídos, al igual que hacia el fuego, como comentaba
el artista. Entre los bólides se encuentran frascos de vidrio llenos
de tierra, gasa y otros materiales, o cajas perforadas en lugares inéditos,
pintadas en tonos amarillo, rojo, rosa o salmón. Estos trabajos tienen
puntos de contacto con el Minimal Art, que estaba en formación en
otros países.
(Universes in Universe - De: Edward J. Sullivan, Lateinamerikanische Künstler des 20. Jahrhunderts. En: Lateinamerikanische Kunst im 20. Jahrhundert, catálogo de la exposición del mismo nombre en Colonia. Prestel-Verlag, Munich 1993)